色彩的发展历史

Posted 2022-12-24 色彩

篇首语：没有完美的个人，只有完美的团队!本文由小常识网(cha138.com)小编为大家整理，主要介绍了色彩的发展历史相关的知识，希望对你有一定的参考价值。

色彩的发展历史

素描和色彩的历史发展

素描是用单一颜色来描绘对象的一种绘画。

常见的素描画是以黑色（即利用黑白的层次）描绘的，但也有用一种彩色描绘的（如棕、红、绿、蓝等），或一种彩色加黑或在此基础上加白粉，也属于素描。更具体地说，素描是舍弃了对象的多种色彩关系，用单一颜色的线条或明暗描绘对象的外形、比例、结构、体积、空间、质感和色彩的浓淡，运用这些造型艺术的基本因素来综合表现形象的绘画。

素描画的表现形式有三种。一是线描（相当于中国画的白描）；二是以明暗手段表现物象的体积的所谓明暗法；三是线条与明暗法的结合，亦称线面结合法。

由于素描画排除了色彩的直接表现，集中运用造型艺术的基础因素去表现对象，所以它是造型艺术的基础。在绘画发展的过程中，逐步形成了既有别于素描创作又有别于画家的素描习作的素描基础训练。

这种系统的素描基础训练，已经成为学画者的必经之途。早期的素描人类开始懂得绘画是从素描开始的。

根据考古的发现，现在所知世界上最早的绘画是法国西南部比勒高省多尔多涅附近称为接斯柯的岩洞壁画和西班牙北部阿尔塔米拉山的洞窟壁画。前者距今约两万年，是旧石器时代的绘画遗迹；后者约在1万年以前，是旧石器时代晚期绘制的。

原始人用最简易的材料描绘他们在狩猎活动中的主要猎获物。西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画的野牛尤为精彩，其中一只低头挺角准备向前冲击的野牛，像箭在弦上一触即发，充满向外的运动感。

这是用烧鹿脂的灯烟画成的，然后用朱红色的矿物颜料粉末上色。这些古代壁画基本上是用单一颜色进行描绘，所以，也可以说是世界上最古老的素描画。

随着人类的进步，绘画才逐渐由简单到复杂，由主要是素描的方法走向色彩的表现，素描画也从原始阶段逐步得到发展。在世界美术发展史上，继史前时期的绘画之后，最引人注目的是古埃及和古希腊的壁画，可惜保存下来的很少。

从仅存的残缺壁画看来，古埃及壁画以线造型为主，具有浓厚的东方色彩；而古希腊的壁画虽然仍以线的造型观念为主，但已向立体的表现演变。在开罗美术馆陈列的古埃及画家所画的素描《狗》，是这个时期保留下来的素描习作，可以看出古埃及画家已具有相当的写实功夫。

从古希腊保存下来最多的堪称世之瑰宝的雕刻作品和流传下来的许多著名画家的作画故事看，古希腊的绘画肯定也会和它的雕刻那样有过极高水平的作品。如果画这些壁画的画家都画有草图的话，这些草图就是一张张杰出的素描。

可惜，这种素描画我们是看不到了。但我们可以从保存下来的古希腊瓶画中，看到当时古希腊艺术的素描水平。

古希腊瓶画有三种式样。早期的是黑像式，即在白底子上把用线条勾画的形象涂上黑色，像剪影那样。

后期叫红像式，即与黑式相反，背景填黑釉而形像留空白（空白处为陶器的红色表面，故称之红像式）。以后又发展到使用白描的瓶画。

这些瓶画造型简练优美，结构严谨，本身就是一幅幅素描杰作。我国长沙战国楚墓的帛画，大约为公元前400多年至前200年期间（与古希腊同期）的产物。

用黑白两色描绘一位中年妇女合着掌，抱着必胜的信念去迎接生命与和平的胜利（画面上的凤，代表生命与和平，在矫健地扑击近似蛇形、代表死亡和灾难的夔），这幅古老的素描画可以看出我国古代绘画也同样达到了很高的水平。此后我国的传统绘画基本上是沿着这种以线造型为主的路子发展下来的。

从古代世界史前时期之后的绘画素描作品看来，这时各国的绘画素描作品已具有不同的民族风格，但都保留了以线造型为主的史前时期绘画的特点。古罗马继承了古希腊的文化艺术，但没有很突出的创造。

其后随着中世纪封建统治的日益专横，基督教的发展和神权至高无上的统治，中世纪艺术除了建筑方面因为歌颂神权建立教堂，创造了罗马式和哥特式建筑，以及为教堂修建而发展起来的玻璃镶嵌画之外，绘画大部分是为装饰基督教堂或王侯宫殿、贵族邸宅而画的壁画，也有用笔画在羊皮纸上的插图。这些插图也是保留下来的素描画之一种，但仍然基本上是线描的，大多都十分软弱、幼稚。

按照基督教禁欲主义的观念，人物形象都刻画得脸无表情。这个时期可以说是绘画的黑暗时期。

当时无所谓专门的画家，而是老百姓在贵族、主教的订货或命令下，为他们新的邸宅或教堂搞装饰。这种工匠画完后，就回去养牛、耕田或打铁，他们完成的任何一张作品都没有署名，因为他们在社会上根本没有地位。

那时也许存在徒弟跟师傅学画，一边工作一边学画（即帮老师复制或放大作品）的情况，但却没有进行绘画的基础训练，因而中世纪的绘画水平是很低的，人物比例不对，也不注意远近大小的规律。这个时期，在中国造纸术还未传到之前，画匠们的素描画是画在羊皮、木板、绢绸、竹片、兽皮或墙壁上的，这些材料都远不如画在纸上那么方便，表现力那么丰富。

这个时期的素描也很单调呆板，它的真正发展是在文艺复兴运动到来之后。素描的发展与素描基础训练的诞生画家之一。

这个时期，许多绘画大师不但是伟大的色彩画家，而且是伟大的素描画家。如达·芬奇（1452—1519）、拉斐尔（ 1483—1520）、米开。

色彩学的历史发展

人类对色彩的感知与人类自身的历史一样漫长，而有意识地应用色彩则是从原始人用固体或液体颜料涂抹面部与躯干开始的。在新石器时代的陶器上已可见到原始人对简单色彩的自觉运用。在色彩的应用史上，装饰功能先于再现功能而出现。人类制作颜料是从炙烤动物肉时流出的油与某些泥土的偶然混合开始的，逐渐发展为以蛋清、蜡、亚麻油、树胶、酪素和丙烯聚合剂等作颜料结合剂。在古代中国、印度、埃及、美索不达米亚，颜料多用在家具、建筑内部、服装、雕像等的装饰上。早期中国绘画上的色彩主要是轮廓和形象的修饰手段，用色简练单纯。古罗马的墙面、地板镶嵌上则已有丰富的色彩。从文艺复兴时代开始，艺术家们不断探索新的色彩材料，凡·爱克兄弟等人在“油-胶粉画法”的基础上改进而形成了亚麻油等调制的油画颜料，为油画的产生提供了媒介材料。自此，绘画上色彩表现的手段大为丰富。尽管人类的色彩应用已有几千年的历史，但独立意义上的科学的色彩学研究却晚于透视学、艺术解剖学而到近代才开始，这是因为色彩学的研究须以光学的产生和发展为基础。文艺复兴时代的画家为了取得自然主义的表现效果，曾经研究过光学问题，注意到了色彩透视问题。直到17世纪60年代，I.牛顿通过有名的“日光-棱镜折射实验”得出白光是由不同颜色光线混合而成的结论之后，颜色的本质才逐渐得到正确的解释，由开普勒奠定的近代实验光学为色彩学的产生提供了科学基础。

感知心理学的研究为解决色彩视觉问题，心理物理学的方法为解决视觉机制对光的反映的问题，都提供了重要的前提条件。而视觉艺术所提出的色彩问题，尤其是印象派出现之后遇到的外光描绘、色彩并置对比、互补色等问题，促使理论家、艺术家运用科学方法探讨色彩产生、接受及应用的规律。到19世纪下半叶，色彩学研究的专门著作开始出现，如薛夫鲁尔的《色彩和谐与对比的原则》（1854）、贝佐尔德的《色彩理论》（1876）等。进入20世纪，色彩学更在现代光学、心理物理学、神经生理学、艺术心理学等基础上获得了长足进展。而色彩学的发展又促进了视觉艺术从19世纪向20世纪多元化时代的转变。

颜色学的发展史

颜色激发人的感情；它产生对比效果，使得图像显得更加美丽。

它能使一幅来黯淡的图像明亮绚丽，使一幅本来毫无生气的图像充满活力。对于图像设计者、画家、艺术家或者录像制作者来说，创建完美的颜色是至关重的。

当色运用得不正确的时候，表达的概念就不完整；图像可能不能成功地表达它的信息，艺术经验就丢失了。如果一幅本来应是绿绿葱葱的森林景象显得颜色偏黄而且病怏怏的，则大自然的重要性就没有体现出来，户外的“健康”感觉也就没有了。

如果森林中的火焰中的灼灼红光变得黯淡，则传递的是一种衰败和锈蚀的感觉，而不是一种热烈的感觉。要创建完美的颜色，可不是一件容易的事。

画家必须混合和再混合颜料，直到调出的颜色与所看见的或所想像的景象的色泽完全相符。摄影师和电影制作者必须花费很多时间来测试、重调焦距和增加光线，直到创建起一幅恰当的景观。

从许多方面来说，在计算机上使用颜色没有什么不同。计算机形成了它自己的一套特殊的复杂性以及技术上的困难。

用户该如何保证在屏幕上看到的颜色与自然的或者用户艺术想像中的颜色一致呢？而且，用户又如何使在屏幕上看到的颜色就是打印图像输出的颜色呢？在Photoshop中要创建合适的颜色必须先有一些有关颜色理论的知识。一旦用户懂得了颜色理论的基本知识，就会认识遍及Photoshop中的对话框、菜单及调色板等所用到的颜色术语。

当用户在进行色彩校正（color correcting）的时候，也将憧得增色及减色的过程。有了颜色理论的知识，用户将知道如何用一种丰满浓郁的蓝色去着色天空。

用户将能够挑选颜色（ pickcolors），从而使自己在 Photoshop中创建的翠色欲滴的裴翠绿出现在打印纸张上的森林之中。为了在Photoshop中成功地选择正确的颜色，用户必须首先懂得颜色模式。

创建C olor modeIs（颜色模式）是用来提供一种将颜色翻译成数字数据的方法，从而使颜色能在多种媒体中得到连续的描述。例如，当我们提到一种“蓝绿”色时，对这种色泽的理解在很大程度上取决于个人的感觉。

从另一方面来说，如果我们在一种颜色模式中为它赋了一个专有的颜色值——在 CMYK模式中为 100%的青色， 3%的洋红色， 3O%的黄色以及 15%的黑色——那么不断地产生这同一种颜色就有了可能。用户在使用Phtotoshop的颜色功能时，将会遇到几个不同的颜色模式：RGB,CMY K, HSB和 Lab。

RGB和CMYK颜色模式会让用户永远记得自然的颜色，用户监视器上的颜色以及打印纸张上的颜色是以完全不同的方法创建的。监视器是通过发射红、绿、蓝三种光束来创建颜色的：它使用的是 RGB（红/绿/蓝）颜色模式。

为了在彩色照片上复制出一种连续色泽的效果，打印技术使用了一种青色、洋红色、黄色及黑色墨法的组合物，从而反射和吸收各种光的光波。通过添印（overprint）这四种颜色而创建的颜色是 CMYK（青/ 洋红/黄/黑）颜色模式的一部分。

HSB（色泽/饱和度/明亮度）颜色模式是基于人类感觉颜色的方式的，因而为将自然颜色翻译为用户计算机创建的色彩提供了一种直觉方法。Lab颜色模式则提供了一种创建“不依赖设备”的颜色的方法，这也就是说，无论使用的是何种监视器 1.什么是颜色颜色的存在是因为有三个实体：光线，被观看的对象以及观察者。

物理学家们已经证明了白光是由红、绿、蓝三种波长组成的。人眼是把颜色当作由对象吸收或反射不同波长的红，绿，蓝形成的。

例如，假定用户在一个晴朗的日子是参加了一次野经，正准备拿一个红苹果。阳光照射在苹果上，光的红色波长就从苹果处反射到用户的眼睛里。

而绿色和蓝色的波长则被苹果吸收了。用户眼睛里的传感器对反射的光线作出反应，发射信息，该信息由用户的大脑解释为红色。

用户对红色的感觉取决于苹果、光线、及自己本身。一个苹果可能比另一个苹果吸收更多的绿色和蓝色，因此它的颜色就显得更红。

如果云彩遮住了太阳，则苹果的红色就变得黯淡了一些。用户对这个苹果的感觉也会受到自己的生理条件、吃苹果的经验或者自己已经整天没有吃东西这一事实的影响。

使得用户能看见苹果的红、绿、蓝三种波长是自然界中所有颜色的基础。这也就是为什么我们将经常红、绿、蓝三色称为光的基色的原因。

光谱中的所有颜色都是由这三种波长的不同强度构成的。把三种基色交互重叠，它们就产生了次混合色：青、洋红、黄色。

基色及次混合色是彼此的互补色。 plementary c olors（互补色）是彼此之间最不一样的颜色。

黄色是由红色和绿色构成的。其中蓝色是缺少的一种基色；因此，蓝色和黄色便是互补色。

绿色的互补色是洋红色，红色的互补色是青色。这就是为什么用户能看到陈红、绿、蓝三色之外其他颜色的原因。

在一朵太阳花中，用户看到了黄色是因为红色和绿色的波长反射到了用户的眼里，而同时蓝色则被太阳花吸收了。所有基色的混合便形成了白色。

用户也许会以为将这些颜色加到一起会产生一种更暗的颜色，但是别忘了，我们加的可是光线。当我们把光的波长加到一起来的时候，得到的将会是更明亮的颜色。

这就是为什么基色。

论述水粉画发展历史

水粉画的起源很早，这可从使用水溶性颜料作画的中外古代石窟、墓窟、寺院壁画中得到佐证。如我国北魏时期的敦煌石窟壁画，西晋南北朝时期的新疆地区石窟中的佛教美术，六朝永乐宫壁画和历代工笔重彩画，以及古代院体画与民间绘画等等，都是使用水溶性粉质颜料绘制而成的。古罗马地下墓室中的壁画，也大多是使用胶或蛋清调合颜料粉绘制而成的胶粉画。意大利文艺复兴时期的美术大师们手下的壁画原作，在后来修补过程中经专家考证发现，有的也是使用胶粉颜料绘制的。这些古今中外早已出现的使用粉质

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水粉画的性质和技法，与油画和水彩画有着紧密的联系。它与水彩画一样都使用水溶性颜料，如用不透明的水粉颜料以较多的水分调配时，也会产生不同程度的水彩效果，但在水色的活动性与透明性方面，则无法与水彩画相比拟。含粉意味着对水色流畅的活动性产生限制的作用。因此，水粉画一般并不使用多水分调色的方法，而采用白粉色调节色彩的明度，以厚画的方法来显示自己独特的色彩效果。这一点近似于油画的绘制方法。因为不透明的水粉颜料与油画颜料都是具有遮盖力的颜料，所以水粉画是介于水彩画与油画之间的一个画种，它是通过吸取水彩画与油画的某些方法与技巧而发展形成自己的技法体系的。

在国外，并没有水粉画这一独立的画种。一般都将其包括在水彩画的范畴之中，称为不透明的水彩画，或用水粉颜料绘制的广告招贴画等统称为水粉画。在我国，由于社会经济和文化条件的原因，普及美术和实用美术发展很快，从而促进了水粉画的不断普及与提高。使它具有一套完整而系统的、与其他画种不同的技法，成为在绘画领域中具有群众基础而又受专业画家所钟爱的一个独立画种，进而显示出自己独特的美学价值和艺术风貌。

中国美术的发展历程

史前及先秦美术：距今一万年前新石器出现陶器、编织、纺织、玉雕、牙雕、髹漆等工艺。

前21世纪先秦时代：青铜器分礼器、兵器、乐器、工具及车马器，商代是成熟鼎盛时期，战国时代出现铁器。《人物龙凤帛画》战国。

秦汉美术：画像石和画像砖，马王堆帛画。秦佣特点：崇尚写实，手法严谨；形象生动，性格鲜明；利用众多直立静止体的重复造成排山倒海的气势。

简洁生动的两汉陶佣。霍去病墓石刻深沉雄浑是两汉石刻的特点。

秦出现了瓷器。魏晋南北朝隋唐美术：新疆最大的石窟是克孜尔石窟。

敦煌石窟始建于前秦北朝、隋、唐、宋、西夏、元，现存492个洞窟。第一批著名画家：曹不兴（吴），谢赫评“古画皆略，至协始精。”

的卫协。顾恺之是东晋最伟大的画家和理论家，“四体妍蚩本无关于妙处，传神写照，正在阿睹中。”

《女史箴图》《洛神赋图》《列女传.仁智图》。陆探微《画品》第一品第一人。

张僧繇是萧梁时期最活跃的画家，凹凸画对之如面。谢赫《画品》是古代第一部对绘画作品、作者进行品评的理论文章，中有“六法”：“气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋采，经营位置，传移模写。”

隋唐绘画：宰相画家阎立本《步辇图》刻画唐太宗李世民接见藏使禄东赞时的情景。《历代帝王图》刻画两汉到隋13位帝王的形象。

画圣吴道子生活于盛唐时期，线如“莼菜条”，创造了著名的“吴家样”，和曹仲达并称：“曹衣出水，吴带当风。”他的佛像雕塑称“吴装”。

贵族画家仕女，张萱《虢国夫人游春图》《捣练图》，周肪《挥扇仕女图》，他的佛画被称为“周家样”。隋.展子虔《游春图》开创了青绿山水的端绪，唐.李思训《江帆楼阁图》李昭道《明皇幸蜀图》父子史称“大小李将军”，继承与发展了青绿山水。

王维，水墨皴染山水画，“破墨”。曹霸、韩干的鞍马画《照夜白》《韩干牧马图》。

张彦远，字爱宾，《法书要录》《历代名画记》，《历代名画记》全书分三部分：绘画史发展的评述和理论认识；绘画有关资料、著录以及鉴识、收藏；画家传记及作品。不认为是通史，而是通篡。

书中首先阐明了绘画的功用：“夫画者，成教化，助人伦，穷神变，测幽微，与六籍同功，四时并运。”；对谢赫六法作了进一步的阐发，强调“气韵”“骨气”，提出“笔不周而意周”；作画在于“得意”的主张；明确了对绘画创作的要求及品评作品高下的标准：自然、神、妙、精、谨细的等第；对绘画的师承、风格的演变和时代的特点做了较详尽的记载。

五代宋元美术：南唐周文矩似周肪，而纤巧过之，《重屏会棋图》李景和其弟会棋。顾闳中《韩熙载夜宴图》。

山水四大家：荆、关、董、巨，北方以荆浩、关仝为代表，南方以董源、巨然为代表。荆浩《笔法记》中“六要”发展了谢赫“六法”“图真”，《匡庐图》。

董源《潇湘图》，巨然《万壑松风图》。花鸟画，黄筌西蜀宫廷画家《珍禽图》，南唐徐熙注重“落墨”用笔不拘泥于精勾细描，信笔抒写略加色彩，“野逸”。

宋代徽宗设立画学分佛道、人物、山水、鸟兽、花竹、屋木六科。武宗元《朝元仙杖图》颇似吴道子画风。

李公麟进士出身，龙眠居士，以白描传世，《五马图》《临韦偃牧放图》《维摩诘图》。梁楷，南宋花园待诏，自号梁风子，减笔画以逸笔渗入院体画，富有个性，开创了写意人物画的新局面，《李白行吟图》《六祖图》《泼墨仙人图》。

张择端《清明上河图》以散点透视全景式构图反映汴梁汴河沿岸清明时节风貌。李成《窠石读碑图》《寒林平野图》。

范宽，中立，领悟到“前人之法，未尝不近取诸物，吾与其师于人者，未若师诸物也。吾与其师于物，未若师诸心。”

《溪山行旅图》《雪山萧寺图》。郭熙《林泉高致集》，全书分水训、画意、画决、画题、画格拾遗、画记六篇。

米芾云山，米友仁《潇湘奇观图卷》。王希孟青绿山水《千里江山图》。

南宋山水四家李唐、刘松年、马远、夏圭，崔白《双喜图》《寒雀图》。宋徽宗赵佶编《宣和画谱》，林椿《果熟来禽图》，李迪《雪树寒禽图》等。

辽金元绘画赵孟伏，子昂，松雪道人，标榜“古意”，提出“书画同源”。《秋郊饮马图》《秀石疏林图》。

元山水四家，黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙。黄公望《富春山居图》是古代山水中的巨作。

《快雪时晴图》《九峰雪霁图》。吴镇梅花道人《渔夫图》《秋江渔隐图》。

倪瓒，云林，《幽涧寒松图》。王蒙《春山读书图》《青卞隐居图》。

明清卷轴画明初以崇尚宋画的浙派为主流，后以复古为更新的吴派兴起。明后期出现了：开拓独抒性灵的写意花鸟新领域的人物；以丑为美的变形人物画和精到传神的肖像画派；提倡文人画尤讲求笔墨的华亭山水画派。

清初山水娄东、虞山、新安、金陵、江西、武林（蓝瑛）各派及项圣谟、傅山各家。“四王”重传统，重笔墨，上承华亭派；“四僧”有独抒个性大胆创造的倾向。

花鸟以恽寿平和八大为代表。中期绘画中心：北京和扬州，北京沿袭“四王”和恽寿平摹古不化，人物肖像画融入西洋画法。

扬州以“八怪”为代表，继承“四僧”更加豪纵、古拙而充满个性。戴进与“画状元”吴伟是院体画和。

中国的美术发展史

对于一幅传统的中国画来说，把诗、书、画、印结合起来。

似乎才表现得更为完整，更有特色。诗、书、画、印结合，可以把几种艺术融为一体，相互辉映，既能丰富画面内容，又能扩大画面境界，给人以更多的审美享受。

这在西洋绘画中是没有的，这是中国画的又一个特点。诗、书、画、印结合，是中国画在发展过程中逐渐形成的。

在宋代以前，画上是很少题字的，偶然有字，也只是在不显眼的角落里，写着作者小小的姓名；那时虽然也有题画诗，却不是写在画面上的。到了宋代，才有一些诗人兼书法家的画家，开始在自己作的画上书一段题记或一首诗。

这样，诗、书、画开始结合起来，中国画历史发展中的文人画也开始了萌芽。文人画是中国绘画史上的一个专有名称，泛指中国封建社会中的文人、士大夫的绘画，以区别于民间画工和宫廷画师的绘画。

到了元代，随着文人画的继续发展，印也加入了诗、书、画的行列，于是诗、书、画、印就像四个孪生姐妹一样，形影不离地完善地结合起来了，这一艺术形式一旦出现，就被当时的画家们普遍采用。到了明情两代，文人画垄断了画坛，诗书画印结合的艺术形式日臻完善。

在诗、书、画、印的结合过程中，书与画的结合恐怕要比其余两种与画的结合要早得多，这是由于中国的书画工具相同，操作时又有许多共同之外的缘故。据说东汉的蔡匡就已是一个书画兼能的文人了。

书画的结合包含有两层意思，一是画家本人就擅长书法，是个书法家，由于书画同源，作画时便自觉不自觉地以书入画了，这既能显示画家的细致，又能表现书法家的飘逸。二是以书写款或题字在画面上，与画面形象协调搭配。

这样书入了画。就成为了画中必不可少的一部分，构成中国画的另一种形式美。

中国画中的以书写款又叫做“落款”，一般来说是不可缺少的，就相当西洋画中的画者的签名，表明了这幅画的所有权。其他的题字，可以绘画写一个题目，一行自己想说的话，或一首诗，一段散文。

其实题字是门很有学问的艺术，要有文学修养，题字不能随随便便，题字的内容要与画面有着内在的联系，让观画者通过题字见景生情、抒发胸怀。或者引导观画者以画为桥梁，生发开去，另拓天地，感念历史的浩荡或人生的哲理。

同时，题字还要考虑到字体的形式、画的内容和风格等。如一幅工笔画就不能用狂草，一幅大写意也不宜用正楷。

字体的位置要恰到好处，要让人感到上去一点或下来一点，增加一个字或减少一个字都会不妙，这就是恰到好处了。总之，要求字与画面统一、和谐，增加画面的形式美。

诗与画的结合也是随着书与画的结合而出现的，那就是出现了喜欢作诗或作词的画家，而书法又写得不错，这样他就用不错的书法把他的诗书到他的画上了。绘画史一般把王维看成是诗画结合的创始者。

说他是一个“诗中有画，画中有诗”的代表人物。这己是一个很高的评价了。

不过这有赖于苏轼对他的鼓吹，苏轼也是一个诗画结合的积极倡导者和实践者，后人又评价苏轼，说他“以诗为有声画，画为无声诗”，这也是一个恨高的评价。看来王维和苏轼便是诗画结合当之无愧的典范。

诗画作为两门艺术，各有长处与短处，两者结合起来，便能取长补短。画表现的事物直观、具体、真实、便于领略，但它要受时间和空间限制，只能选取某一瞬间的静止状态；而诗则不受时间和空间的限制，可以写事物在不同时间、不同地点的发展变化，天上地下，古往今来，东西南北，自由驰骋，容量比画大得多。

把诗与画结合起来，可以使静止的画面活跃起来，画面的容量膨胀起来。而诗也有了形象的凭借，想象的依托，因此，诗与画的结合使二者交相生辉。

画上题诗题款，也可以起到点题的作用。如人们面对一幅山水画或花鸟画，有时就很难猜透画者的心思，但通过画上的题诗题款，就比较容易把握作者的意图。

如宋代有名的皇帝画家赵佶画的《瑞鹤图》，画上只有20只丹顶鹤绕殿飞鸣，晴空中有浮云飘动，虽然观画者可以从画中感受到一种轻盈舒朗之气，但是画家是否是要想表达出一种什么思想呢？只凭观画是很难领悟的，但是只要结合画上的题诗书款，就一目了然。原来是赵佶当政的某一夭，突然有一片祥云飘来皇宫，绕柱附殿，众人皆仰而视之。

惊奇之余，又有群鹤飞鸣于空中，与祥云融为一体，经久不散。从画的题诗题款中，以及已有的历史知识。

我们可以领悟到画家的这样一种思想：在北宋内优外息的严峻时刻，画家祈求上帝降下祥云，以挽救宋王朝的危亡。但这当然只是可怜的皇帝画家的一种自欺欺人的幻想了。

谈了诗书与画的结合，我们再来看看印。印，就是印章，最初只是一种信物，与画没有关系的。

宋代有人开始把印押在了画上，但那也是作为一种印证之用，以表明此画的所有权。印可以是作画者的，可以是鉴赏者的，也可以是收藏者的。

印没有成为画面不可缺少的组成部分，就是还没有入画。到了元代，由于水墨画的兴起，占其余画种的绝对压倒优势。

由于水墨画上只有黑白二色，或只是黑白的浓淡变化，显得有一些沉闷，于是一种朱文印章出现了。朱文印章押到画上已不仅仅是一种信物的标记，它已成为画面必不可少的组。

室内设计色彩的基本历史知识有哪些

九世纪末以来，随着各种艺术的蓬勃发展，科学技术日新月异，色彩音乐也就形成了音乐艺术的一个流派，人们不再去分析音乐（声音）与色彩（光线）的具体联系了，而着重研究色彩本身的艺术性，音乐家们以各种色彩光，以及通过不同折射二产生的图象去伴随音乐演出。

在二十世纪初，这种色彩音乐表演颇为流行，有许多音乐家与美术家，以及科学家进行这种形式的创作和表演，这种表演最初要算里明顿图教授于1895年在伦敦皇家学院进行的“彩色风琴”表演，这架“风琴”以它所产生的彩色光线映在乐队和钢琴上方的银幕上，以它伴随乐队所演奏的肖邦、瓦格纳的音乐。到1911年，他还写了《色彩音乐-流动色彩的艺术》，同时他还在音阶的12个半音上拟出一个色彩音阶，这个音阶不只是一个8度，而是好几个8度。

色彩音乐发展中的重要创造是制成了Clavilux（克拉维拉克斯）色彩投影机，它是一个能调制出各种彩色光与图象的仪器，由一个在美国工作的科学工作者威尔弗莱德创造的，形状有如一张斜面的写字台，面上有产生各种色彩、图象的控制开关、旋扭等装置，它能放映出富有幻想性的彩色图象，有的如轻纱飘渺，有的如动物轮廓，这些富于变化的彩色影象伴随音乐演奏，使人们感到音乐与色彩紧密地联系起来了。 1922年在美国公开表演以后引起人们广泛的兴趣。

人们形容音乐与色彩是“在感情的平行线上奔跑”的，从此以后几乎没有人再去研究声音与色彩的具体联系和互相“反译”了。1926年威尔弗莱德在费城交响乐队的合作下演出了里姆斯基-科萨科夫的《天方夜谭》，取得很大成功，听众形容现场色彩气氛时说：“音乐几乎被一种俄国芭蕾舞式的鲜明节奏和流动的激情所融合”，在广大群众中也普遍确认了由文学、美术、新的色彩艺术与音乐融为一体的色彩音乐。

在色彩音乐的发展过程中，还有许多音乐家进行了多方面的实践和创作，著名的如：亚历山大。拉兹罗发明的色彩钢琴，它能在演奏过程中射出彩色图象到银幕上以伴随音乐，他还著有《彩色光线-音乐》一书。

弗里德里克。本顿发明了色彩控制台。

阿德里安。伯尔纳德作了一个练习曲《色彩音乐-光的艺术》，1913年出版了他的《色彩音乐的作曲》和《线条和形象的练习》。

弗。斯契尔巴契夫写了一个钢琴、竖琴、弦乐四重奏、小提琴、舞蹈和光的“九重奏曲”。

1922年布利斯写了《色彩交响曲》，乐章标题是：1。紫色，2。

红色，3。蓝色，4。

绿色。并寄各种颜色以特定感情，如他认为：艳绿表示希望、幸福、春天、胜利等。

色彩音乐的名著-斯克里亚宾的《普罗米修斯》（即火的诗）与勋伯格的作品联合表演，使色彩音乐获得了更丰富的艺术效果。随着科学技术的迅速发展，激光技术也应用到色彩音乐中，在1973年美国芝加哥天文馆内就表演了激光色彩音乐，由于激光具有与普通光线不同的视觉效果，而使色彩音乐又进入了新的领域。

色彩音乐在我国还未有过有影响的实验与创作。作为一种表演形式，我认为音乐家们也不妨同美术家们合作，进行一些尝试，说不定它真的会使我们的音乐生活名副其实地更加“丰富多彩”起来哩！。